martes, 22 de noviembre de 2011

HISTORIA DEL ARTE 2

MONET CLAUDE
Biografía._
(Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.
Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar,Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido.
La pintura rápida como las pochades o études era, en aquella época, del agrado de la sociedad siempre que ésta se circunscribiera al tema del paisaje en pequeño formato. La temprana obra de Monet, La costa de Sainte-Adresse (1864, Institute of Arts, Minneapolis), recuerda a su iniciador Boudin, pero adquiere mayor alcance al aplicar la pintura directa a temas y formatos de mayor complejidad y tamaño.

Mujeres en el jardín (1866), de Claude Mone

Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato -el retrato de su primera mujer, Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración de las figuras en la naturaleza.
Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a un intento frustrado de suicidio. Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.
A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas.

Impresión, sol naciente (1872)

La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden apreciarse también en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París), pintada en Le Havre. En poco más de medio metro cuadrado numerosas pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua; la rapidez que la fugacidad del tema exigía, condicionó el formato, la técnica e incluso el título, condensado manifiesto de intenciones que dio nombre al grupo, cuando, en 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis Leroy empleó el término para referirse despectivamente, en Le Charivari, a quienes hasta ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.
El primero de los ismos modernos tenía ya denominación y Monet era considerado jefe del grupo. De 1878 a 1881 el artista permaneció en Vétheuil, trabajando en la línea iniciada en Argenteuil, sin participar en la quinta y sexta exposiciones impresionistas de los años 1880 y 1881. Después de una estancia en Poissy, que se prolongó hasta 1883, Monet, en compañía de su segunda esposa, Alice Hoschedé, se trasladó a Giverny, donde vivió hasta su muerte.
A partir de 1890 la pintura de Monet se vuelve más compleja y la inmediatez y la euforia iniciales se transforman en insatisfacción y melancolía, en un difícil intento por conciliar la técnica fresca y expresiva de sus primeros años con búsquedas más profundas y ambiciosas que podían prolongarse durante varios días, meses e incluso años, con la intención de crear obras que encerraran una mayor complejidad: variaciones que en su reiteración temática permitieran enfatizar la investigación de las resoluciones formales. Efecto de nieve (1891, National Gallery of Scotland, Edimburgo), Almiares (1891, Museo de Orsay, París), Almiares, puesta de sol (1890-1891, The Art Institute, Chicago), son obras que forman parte de algunas de sus primeras series.
Sin embargo, la más conocida es la que dedicó en 1892-1893 a la catedral de Ruán, en la que se evidencia, de un modo poético y didáctico, cómo las variaciones de la luz alteran la percepción del medio que modula esa energía, cómo la luz y color constituyen fenómenos indisociables de la percepción humana. Monet pintó cincuenta cuadros de la catedral, dieciocho de ellos del pórtico, y afirmó que: "Podía haber realizado cincuenta, cien, mil, tantos como segundos hubiera en su vida..."
Durante los últimos treinta años de su existencia, el artista trabajó en torno a su jardín de agua de Giverny. En un prado vacío por el que pasaba un pequeño arroyo construyó un exuberante jardín en el que un gran estanque, colmado de nenúfares de todos los colores y rodeado por sauces y árboles exóticos, se cruzaba por un pequeño puente, de forma ovalada, que aparecía en numerosas pinturas de la época, como en El estanque de las ninfeas(1900, Museo de Orsay, París) o la lírica composición titulada El puente japonés (1918-1924, Museo de Orsay, París).

EDOUARD MANET._
Biografía._
El pintor francés, Edouard Manet, es uno de los iniciadores del Impresionismo.
Nació en París el 23 de enero de 1832. Formaba parte de una familia alto burguesa. Su padre, Auguste, era jefe de personal del Ministerio de Justicia y su madre, Eugénie-Désirée, era hija de un diplomático.
Eduardo Manet: Música en las Tullerías (1862)
Sus primeros contactos con el mundo artístico se producen durante su etapa escolar. Su tío materno es quien le enseña las primeras nociones y lo acompaña a sus clases de dibujo al Museo del Louvre. Cuando acaba el colegio, su padre quiere que estudie derecho. Pero Manet no desea ser abogado, por lo que decide presentarse al examen de ingreso en la Academia Naval. Es rechazado, pero su deseo de navegar es tan grande que se alista en un buque mercante. A su regreso a París, vuelve a intentar ingresar en la Academia Naval, aunque no tiene éxito.

Con el consentimiento paterno, decide iniciar los estudios de pintura en el taller de Thomas Couture. Las clases se completaban con visitas a museos. En 1856, abandonó el taller, ya que consideraba anticuadas las enseñanzas del maestro.
Completó su formación viajando por Italia, Holanda, Alemania y Austria, donde copiaba a los grandes maestros. También visitó España, quedando impresionado con las costumbres, el folclore y el mundo de toreros. Frans Hals, Diego Velázquez y Francisco de Goya, son las principales influencias en su arte.
Manet empezó pintando temas de género, mendigos, pícaros, personajes de café y escenas taurinas españolas como el Guitarrista español o Lola de Valencia. Y, poco a poco, fue incorporando escenas de la vida parisina del momento, como Música en las Tullerías.
Frecuentó la tertulia del café Guerbois y se relacionó con Degas, Monet y Pissarro, iniciándose así su relación con el grupo impresionista. En realidad, nunca fue un impresionista en sentido estricto, ya que no participó en ninguna de las exposiciones del grupo y se negó a identificar su trabajo con este movimiento.
Manet pintó su ciudad y la vida moderna y las representó tal como son, sin tapujos. Esta es la razón principal por la que su obra provocó el rechazo y la crítica. Para captar la realidad y la fugacidad empleó una pincelada rápida, directa y empastada, rasgo característico del Impresionismo.

Música en las Tullerías (1862)
El tema es un concierto en el jardín del palacio de las Tullerías, al que asisten los personajes más destacados de la burguesía parisina.
Se trata de una obra de estudio, en la que incluye algunos retratos de sus amigos, para los que se sirve de fotografías. Por ejemplo, están presentes su modelo favorita, Victorine Meurent y Baudelaire, que es una silueta esbozada, situada detrás de la primera dama de blanco, empezando por la izquierda.
También puede identificarse al propio Manet, con sombrero de copa y barba, en el borde izquierdo de la composición.
Utiliza los fuertes contraste entre blancos y claros con el negro y consigue crear una iluminación natural que hace pensar que se trata una escena al aire libre.

Desayuno sobre la hierba (1863)
El cuadro representa un desayuno o almuerzo en un bosque, cerca de Argenteuil. En esta obra, Manet realiza un desnudo en un paisaje. La mujer desnuda es su modelo favorita, Victorine Meurent, y junto a ella están al escultor holandés Ferdinand Leenhoof y su propio hermano, Gustave. Se encuentran entre los árboles y, al fondo, sitúa a otra joven que sale del baño.
Desayuno sobre la hierba (1863). Eduardo Manet
El cuadro fue muy criticado por el público. Aunque las escenas del ocio en el campo no eran una novedad, resultó chocante el contraste entre la desnudez de la joven y los dos hombres que la acompañan.

Olimpia (1863)
Se inspira en la Venus de Urbino de Tiziano, pero Manet sustituye a la diosa veneciana del amor y la belleza por una prostituta parisina, desnuda y tumbada sobre un diván. La modelo es Victorine Meurent.
Olimpia. Eduardo Manet
Le acompaña su dama, una mujer negra con un ramo de flores, cuyo rostro se confunde con el fondo oscuro y contrasta con los tonos claros de su vestimenta. A los pies de Olimpia aparece un gato negro, que es símbolo de la ambigüedad, de la inquietud y de las relaciones promiscuas y eróticas.
A través del predominio del blanco y el negro consigue crear un ambiente íntimo y sensual.
Su Olimpia resultó escandalosa ante los críticos de la época, ya que no aparece ni idealizada ni avergonzada con su trabajo.

ALFRED SISLEY._
Biografía._

El pintor impresionista Alfred Sisley, nació el 30 de octubre de 1839 en París, aunque era hijo de padres ingleses. El padre tenía un próspero negocio de comercio y envió a Alfred a los 18 años a Londres para estudiar economía y continuar así con el negocio familiar. Durante su estancia, Sisley mostró un gran interés por el arte y conoció las obras de John Constable, Richard Bonnington y William Turner.
Nieve en Louveciennes (1878). Alfred Sisley
Nieve en Louveciennes (1874)
Su padre supo ver el talento del hijo y le apoyó para que iniciase su aprendizaje artístico. En 1862 regresó a París e ingresó en el taller de dibujo y de pintura de Gleyre, donde conoció a Claude Monet y Pierre Auguste Renoir. Después, abandonaron el taller y fueron a las afueras de París para pintar al aire libre. El objetivo era conseguir una representación espontánea y directa, centrándose en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.
Sisley se dedicó en especial al paisaje, que será su temática preferida. Estudió en repetidas ocasiones el mismo paisaje con condiciones climatológicas diversas, intentando captar los efectos atmosféricos.
Iglesia de Moret. Alfred Sisley
La iglesia de Moret (1894)
En 1870, durante la guerra Franco-Prusiana, Sisley, al igual que Monet y Pissarro, emigró a Londres. Tras la guerra, su familia quedó arruinada y desde entonces, la vida del artista se caracterizará por la penuria económica. Se trasladó a vivir a Marly y Louveciennes, en las inmediaciones de París, interesándose por los paisajes parisinos.
El periodo comprendido entre 1872 y 1880 es el más destacado de su producción. Sus pinturas reproducen las luces en diferentes momentos del día, el cielo, la nieve, la niebla y los reflejos y transparencias del agua.
Participó en la primera exposición de los impresionistas celebrada en 1874 y lo continuó haciendo en 1876, 1877 y 1882. Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas, pero ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros.

Principales obras de Alfred Sisley
Inundación en Port-Marly (1876)
Esta localidad, Marly-le-Roi, donde Sisley residió un tiempo, sufrió en el año 1876 unas fuertes inundaciones. El artista las representó en cuatro de sus lienzos.
Inundación en Port-Marly (1876) . Alfred Sisley
En esta escena, el agua ya ha sido retirada casi al completo, pero Sisley reproduce los reflejos de la casa de la izquierda y los árboles de la derecha sobre el agua. Consigue crea una atmósfera transparente mediante el empleo de una pincelada diluida.


EDGAR DEGAS._
Biografía._

(Hilaire Germain Edgar Degas; París, 1834 - 1917) Pintor impresionista francés. A pesar de que inició sus estudios de derecho, gracias a la desahogada economía familiar y al beneplácito de su padre (cuya cultura y sensibilidad ante lo artístico resultó fundamental en su etapa de formación), Edgar Degas se dedicó bien pronto a la pintura. En 1853 ingresó en el taller del pintor Barriasy y en 1854 recibió las enseñanzas de Louis Lamothe, seguidor de Ingres.
Sin embargo, su privilegiada condición social, que determinará toda su vida y una buena parte de su obra, le permitió acceder a las colecciones particulares de pintura de la clase alta parisiense y formarse en la tradición clásica como autodidacta a través de múltiples viajes. En Florencia, conoció en casa de su tío, el barón Bellelli, copias y originales de Rafael, Mantegna, Pollaiuolo, Ghirlandaio y Botticelli.
Por los testimonios de la época se sabe que Degas era un hombre tímido, sensible, algo retraído, con una gran vida interior que a veces le dificultaba la relación con sus semejantes, tal como puede observarse en la serie de autorretratos que realizó entre 1854 y 1858, donde se aprecia la influencia de Ingres. En la década de los sesenta, la posibilidad de entender la pintura como un ejercicio artístico, ajeno a las alegorías y al trasfondo moralista de los grandes cuadros de historia, era todavía incierta y dudosa.
Sin embargo, las recientes muertes de Vernet, Delacroix e Ingres abrieron un hueco en el que pudo desarrollarse, de la mano de Manet y Degas, lo que Baudelaire denominó enfáticamente el "heroísmo de la vida moderna". La familia Bellelli (1858-1875, Museo de Orsay, París) surge de unos retratos de sus primas que Degas pintó durante su primera estancia en Florencia, y muestra un análisis visual de la familia en el que los caracteres de los personajes (la atenta e inquieta tía Laura, su esposo Genaro, las dos niñas), junto con la verosimilitud del mobiliario y los objetos personales, constituyen una composición realista, fiel testimonio de la vida moderna.

La familia Bellelli

La obra, sin embargo, puede entenderse también como una alegoría de la continuidad temporal familiar, pues el dibujo que cuelga de la pared representa al abuelo Degas, patriarca de la familia, mientras delante de él, la propia Laura Bellelli se encuentra embarazada; son cuatro y no dos -como parece a simple vista-, las generaciones plasmadas en el cuadro: el pasado alimenta al presente para proyectarse en el futuro, como ocurre en toda la obra de Degas.
De regreso a París, tras una estancia en la villa Médicis de Roma, Degas descubrió el fascinante mundo escénico que tanto exaltó en su pintura. Aunque de connotaciones alegóricas, el retrato deMademoiselle Fiocre en el ballet La Source (1868, Brooklyn Museum, Nueva York) expuesto en el Salón de 1868, representa su aparición en el panorama artístico parisiense.

Orquesta de la ópera

Su obra Orquesta de la ópera (1868-1869, Museo de Orsay, París), debía haber sido un retrato del fagotista Désiré Dihau, pero finalmente se convirtió en una composición en la que algunos de sus amigos, como el compositor Emmanuel Chabrier y otros músicos -pintados casi a la manera de Ingres-, se encuentran coronados por un friso de bailarinas decapitadas. Tras la visión instantánea y objetiva de encuadre espontáneo se esconde un complejo artificio compositivo que reclama el derecho a establecer nuevas reglas para la representación realista de la imagen de una época.
Las relaciones de Degas con el movimiento impresionista fueron bastante complejas. A pesar de que participó en siete de las ocho exposiciones del grupo y mantuvo diferentes contactos con todos los pintores que lo constituían, se negó sistemáticamente a practicar la pintura al aire libre y su obra posee indudables resonancias realistas e incluso clásicas.

El padre de Degas escuchando a Lorenzo Pagans (1869)

La captación visual del instante en Degas no puede asociarse al paisaje, que apenas practicó, aunque sí puede reconocerse en algunas pinturas relacionadas con la música, el baile o la escena. El padre de Degas escuchando a Lorenzo Pagans (1869, Museo de Orsay, París), representa un momento preciso de una de las veladas musicales que su padre organizaba en su propio domicilio; el instante es retenido, pero no sólo a través de la referencia visual, sino también por medio del gesto del cantante y guitarrista Lorenzo Pagans -boca abierta y mirada perdida-, así como por el movimiento capturado de sus manos durante la ejecución de una pieza y la expresión de ensimismamiento del padre.
Tras la guerra franco-prusiana, en la que participó alistándose en la Guardia Nacional, Degas regresó a París y frecuentó el ballet de la Ópera de la calle Peletier, iniciando sus primeras y míticas series de bailarinas hacia 1872. Dos años después, cuando participó en la primera muestra impresionista, su pintura fue una de las menos criticadas debido al perfecto dominio del dibujo, entendido éste sólo como un análisis de la realidad.



AUGUSTE RENOIR._
Biografía._

(Limoges, 1841 - Cagnes-sur-Mer, 1919) Pintor francés. Hijo de artesanos, vivió sus primeros años en barrios proletarios donde trabajó como decorador de porcelanas y pintor de abanicos. Después pudo acceder al taller del pintor Gilbert y, luego, al de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley, con quien más tarde compartió su casa en París. Sus primeros intereses como pintor se inclinaron por la escuela de Barbizon y, consecuentemente, por la pintura al aire libre. Durante los días agitados de la Comuna, pintó con Monet a orillas del Sena. En 1873 terminó Jinetes en el bosque de Bolonia, excluida del Salón oficial y expuesta en el de los Rechazados.

Autorretrato (1876, detalle)

Durand-Ruel se interesó por su obra y en 1874 participó en la primera exposición impresionista, en los estudios del fotógrafo Nadar, donde expuso, entre otras obras, El palco (1874, Courtauld Institute Galleries, Londres). Se trata de un gran lienzo donde representa a Niní López y a su hermano con una técnica de pinceladas sueltas fundidas entre sí, de contornos imprecisos y poco definidos. La composición, piramidal, se caracteriza por los ritmos ascendentes y sinuosos del vestido negro de ella y los de la chaqueta de él, así como señala la importancia de las cabezas: la de ella expresa serenidad y atención, mientras que la de él oculta su mirada tras los prismáticos.
En 1876 se celebró la segunda exposición del grupo impresionista en la que Renoir participó con una de sus obras más conocidas, El moulin de la Galette(1876, Museo de Orsay, París), que recoge los momentos de un baile al aire libre en una terraza parisiense. Si lo comparamos con la obra de ManetConcierto en las Tullerías (1860, National Gallery, Londres), de tema y composición parecidos, presenta al igual que ésta, un encuadre interrumpido por los bordes del formato, recurso que produce la impresión de que la escena sigue y se expande más allá de los propios límites del lienzo. En comparación con la obra de Manet, que la pintó en un alarde de pinceladas imprecisas e indefinidas, la de Renoir libera todavía más la pintura, con una sucesión de manchas centelleantes que parece deslizarse sobre la tela al ritmo de la música o de los movimientos de los árboles que dejan pasar parcialmente la luz que ilumina la escena.
Le Moulin de la Galette (1876), de Renoir

En 1878, Renoir se alejó del grupo impresionista y buscó el éxito en los salones oficiales; el abandono de los principios impresionistas se acentuó cuando, a partir de 1881, numerosos viajes -Normandía, Argel, Florencia, Venecia, Roma, Nápoles, Sicilia- despiertan su admiración por cierta idea clásica de lo bello -la pintura pompeyana, Ingres, Rafael-, que le llevó a cuestionarse el valor de la espontaneidad de su técnica anterior, alejándose progresivamente de los efectos atmosféricos en busca de una pintura más definida. De esta época, cabe destacar obras que reflejan momentos de la vida parisiense contemporánea, como el cuadro Madame Charpentier y sus hijos (1878, Metropolitan Museum, Wolf Foundation, Nueva York), que fue expuesto en el Salón de 1879, donde recibió la aprobación del público y la crítica.
El tema de la mujer, por el que el artista mostró claramente, durante toda su vida, un gran interés, adopta, por lo general, un tratamiento de gran consistencia y de resonancias clásicas. En este sentido destacan la serie de las bañistas -Bañista sentada secándose la pierna (1895, Museo de l'Orangerie, París), Bañista sentada (1914, Art Institute, Chicago), o Bañistas (1918-1919, Museo de Orsay, París)- que constituyen el máximo exponente de la belleza femenina, ejecutadas con una técnica cálida y envolvente. En estas obras, las pinceladas no se mueven en múltiples direcciones, como se observava en El moulin de la Galette, sino que se alargan por la aplicación insistente de óleo húmedo diluido en aceite de linaza y trementina.
Les grandes baigneuses (1884), de Renoir

La línea recta no existe en la naturaleza y la mezcla armónica de colores sobre la tela va configurando la forma mediante un proceso orgánico que persigue una expresión sensual y vitalista: "No tengo reglas ni métodos; cualquiera que vea los materiales que empleo o mi forma de pintar, se dará cuenta de que no hay secretos. Miro un desnudo y descubro miles de matices diminutos. He de encontrar aquel que haga que la carne de mi lienzo viva y tiemble."
El ejercicio de la pintura es para Renoir una especie de placer físico, la sublimación de la atracción física por medio de la materia pictórica. Salud y belleza se identifican en las representaciones de esas mujeres de piel tersa y rosada. El amor por el trabajo manual de este artista, que procedía de una familia de artesanos y que fatalmente vio sus propias manos deformadas por el reuma al final de su vida, le llevó a rechazar cualquier dimensión intelectual de la pintura o cualquier resonancia literaria en favor del trabajo humilde y bien hecho.
En 1884 escribió una propuesta para fundar la "Sociedad de los irregulares", la cual asociaba la belleza a las formas orgánicas e irregulares de la naturaleza y rechazaba el mundo mecánico e industrializado, como años antes hicieron Ruskin y Morris, pero cuya sensualidad se alejaba de la religiosidad de éstos. "A veces hablo como los campesinos del sur. Dicen que son unos desafortunados. Yo les pregunto si están enfermos y me dicen que no. Entonces son afortunados; tienen un poco de dinero, por lo tanto, si tienen una mala cosecha no pasan hambre, pueden comer, pueden dormir y tienen un trabajo que les permite estar al aire libre, a la luz del sol. ¿Qué más pueden desear? Son los hombres más felices y ni siquiera lo saben. Después de unos cuantos años más, voy a abandonar los pinceles y dedicarme a vivir al sol. Nada más."

CAMILLE PISSARRO._
Biografía._
(Saint Thomas, 1830-París, 1903) Pintor francés. Antes de establecerse en Francia, pasó un tiempo en Venezuela con el pintor danés Melbye, dedicándose plenamente a la pintura. Ya en París (1855), recibió los consejos de Corot y trabó amistad con Monet, Cézanne y Guillaumin. Su estilo en esta época era bastante tradicional. Al volver a Francia, después de una estancia en Londres, participó en el movimiento impresionista. Atraído por la tierra, fue un pintor rústico. Del período llamado de Pontoise (1872-1884, aproximadamente) datan sus mejores obras inspiradas en Monet y Cézanne: La siega en Montfoucault (1876), Los tejados rojos (1877),Primavera en Pontoise (1877). Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del impresionismo. En 1895, un empeoramiento de la enfermedad ocular que padecía le obligó a pintar paisajes urbanos de París desde la ventana: Avenida de la ÓperaJardín de las Tullerías yEfecto de nieve. La obra de Pissarro, que abarca todos los géneros, está representada en el Museo de Orsay de París y en casi todos los museos de arte moderno del mundo.

Puente de Charing Cross (1890) 





El camino de Louveciennes (1872)



Avenida de la Opera (1898)

PAUL CÉZANNE._
Biografía._
(Aix-en-Provence, Francia, 1839-id., 1906) Pintor francés. Hijo de un banquero, comenzó sus estudios en el colegio Bourbon de su ciudad natal, donde entabló relación con Émile Zola. Prosiguió en la escuela de dibujo y posteriormente se matriculó, por influencia paterna, en la facultad de derecho, aunque pronto comprendió que su verdadera vocación era la pintura.
Detalle de un Autorretrato de Cézanne (c.1875)

Instaló su primer estudio en la casa de campo de su padre, hasta que en 1861 su madre y su hermana le apoyaron para reunirse en París con su amigo Zola, que se había trasladado allí un año antes. Una vez en la capital francesa, se inscribió en la Academia Suiza para preparar el examen de ingreso en la de Bellas Artes. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, y este hallazgo marcó profundamente su evolución artística.
Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre, pero en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura. Allí reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Pissarro. Gracias al contacto con este último, Cézanne daría un giro radical en su estilo, desligándose de toda norma académica y de la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba.
En 1886 su obra fue rechazada por el Salón de Otoño por vez primera, lo que se repetiría una y otra vez hasta el final de sus días y provocó en él un profundo resquemor. Conoció por entonces a la modelo Hortense Fiquet, de la que tendría un hijo, y se trasladó con ella a L´Estaque, localidad en la que pintó paisajes y bodegones en los que se aprecia una mayor fluidez y vivacidad de los colores merced a la influencia de los impresionistas.
Como sus coetáneos, se convenció de la importancia de pintar al aire libre, y, tras volver nuevamente a París en 1872, realizó una colección de paisajes en Louveciennes junto a Pissarro y otros artistas que inauguraron su denominado «período impresionista». En 1878 se estableció casi permanentemente en Provenza, alcanzando progresivamente la madurez expresiva que iba a configurar uno de los estilos más representativos e influyentes del arte del siglo XX.
Los jugadores de naipes (1892)
El monte de Sainte-Victoire (1900)

Llevó a cabo su actividad pictórica en una reclusión casi total, acentuada por la ruptura con su antiguo amigo Zola a raíz de la publicación de La obra, en la que Cézanne creyó reconocerse en el personaje de Lantier, un pintor fracasado. En 1886 murió su padre y Cézanne abandonó a Hortense, su esposa desde 1884, y a su hijo en París, pasando a instalarse en Aix, donde pintaría la serie de cuadros de la montaña de Sainte-Victoire. Cézanne continuó con su actividad prácticamente en el anonimato, hasta que en 1895 el marchante Ambroise Vollard organizó, con el apoyo de Pissarro, renoir y monet, una exposición sobre su obra que fue bien recibida por la crítica, lo que le abrió las puertas del Salón de los Independientes cuatro años más tarde.
El primer Salón de Otoño de 1904 le dedicó una sala de forma exclusiva, en lo que sería un acontecimiento fundamental para el devenir de las primeras vanguardias y una especie de reconocimiento casi póstumo, pues el artista moriría apenas dos años después. Dicha exposición confirmó a Cézanne como el padre de cubistas y fauvistas, y ejerció un gran impacto sobre artistas como picasso, Braque o Dérain.
La tendencia constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento cubista, además de ser pionero en su concepción del color, que trató como elemento pictórico independientemente de la forma. Compaginó así el estilo directo y vivaz del impresionismo con la precisión en la composición, el ritmo y la cadencia en un intento de «solidificar el impresionismo», como él mismo declaró. Consagrado definitivamente en la retrospectiva que se le dedicó un año después de su muerte, Cézanne es considerado una de las figuras más influyentes del arte del siglo XX.

BERTHE MORISOT._

Biografía._
(Bourges, 1841-París, 1895) Pintora francesa. Se formó con Guichard y con Corot y fue copista de cuadros en el Louvre. Su relación con los pintores impresionistas marcó de forma notable su obra, en la que se aprecia la influencia de Manet y de Renoir. Sus temas favoritos son las escenas familiares y mundanas (La cunaMujer y niño en un prado de Maurecourt).


El Muelle de Lorient (1869) 


La hotte (La Silla de Cesta) (1885)



París desde Trocadero (1872)


MARY CASSATT._
Biografía._
Pintora estadounidense que vivió y trabajó en Francia, donde se adscribió al grupo de los impresionistas. Nació en Allegheny City, Pennsylvania. En 1861 empezó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes Pennsylvania de Filadelfia, pero en 1866 se trasladó a Francia para pintar. Hacia 1872, después de estudiar las obras de los museos más importantes de Europa, se instaló en París y su estilo comenzó a madurar. Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas, que la invitó a exponer con sus amigos impresionistas. Una de las obras que expuso fue El palco del teatro (1879, National Gallery, Washington). A partir de 1882 el estilo de Cassatt dio un giro. Al igual que en Degas, las xilografías japonesas ejercieron una gran influencia en su obra, empezó a destacar los trazos y a experimentar con composiciones asimétricas, como en Paseo en barca (1893, National Gallery, Washington) y con gestos y posturas más naturales e informales. La relación de las madres con sus hijos en escenarios domésticos se convirtió en su tema característico. No hacía retratos por encargo sino que pintaba a miembros de su propia familia. En 1904 Francia le concedió la Legión de Honor y, aunque fue una pieza decisiva para la difusión de la obra impresionista entre los coleccionistas estadounidenses, el reconocimiento en su país le llegó con más retraso que en Francia. Después de 1914 abandonó la pintura a causa de problemas de visión

Lydia Cassatt (1878)





Madre e hijo (1898)


Margot en azul (1902) 







HISTORIA DEL ARTE 2

MILTON BARRAGÁN._
Biografía_
Moldea el metal desde hace 37 años y la madera desde 1992. Su trabajo lo aprendió solo, le bastó únicamente con observar algunas construcciones que realizaba, para ir dando forma a estos dos materiales. 
Milton Barragán, arquitecto de profesión y escultor desde 1968, presenta su exposición "Bestiario urbano", una obra que reúne seres mitológicos (dragón, grifo y eskorpión), con formas urbanas que no son otra cosa que las impresiones de varios paisajes de la ciudad, según lo afirma su autor, como muros, grupos de edificios, torres oblicuas, entre otras.
Estas creaciones, que serán expuestas desde hoy en el Centro Cultural Metropolitano, también se exhibieron en Guayaquil, en noviembre del año pasado. En esa ocasión, se expusieron 22 piezas, de las cuales cuatro fueron vendidas. Una de ellas llegó a costar $2 500. 
Con esta muestra, el artista intenta mostrar una ciudad "plagada por bichos destructivos (violencia, muerte, egoísmo) que actúan como animales raros y día a día van carcomiendo a los habitantes de la urbe". 
Barragán abandonó por cinco años su trabajo de artista para dedicarse a ejercer su cargo como presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana, en 1988. Terminado su período en 1992, el chimboracense retoma la escultura. Pero esta vez, se aleja del fuego y los metales para moldear la madera. Trabaja en ella por 12 años, pero vuelve a dar forma a los primeros, a mediados de 2004 e inicios de 2005 para crear esta exposición, que, por primera vez, se exhibió en el Centro de Arte de Guayaquil.
Su reciente trabajo se diferencia del anterior porque ahora sus creaciones van tomando color, las pinta de amarillo, rojo y naranja. Anteriormente, sus obras se quedaban con la fría cromática del metal, verde, azul o morado.
La muestra "Bestiario urbano" está compuesta por 26 piezas, entre las que se destaca la serie "Skorpiones" y las obras "In gallería", "La Basílica", "Magna Vagina" y "Urlo". Esta última, inspirada en la obra del pintor noruego Edward Munch. 
Las creaciones de Barragán miden entre 1,20 y 1,30 metros de alto y su peso oscila entre 120 y 300 libras.
El artista afirma que la magia de la escultura radica en el espacio que existe entre cada elemento que forma su obra. 
La muestra permanecerá abierta hasta el 17 de abril, de martes a domingo, de 09:00 a 17:00. (SV)

EL ESCULTOR

Milton Barragán nació en Chimborazo en 1934. En 1958 se gradúa de arquitecto en la Universidad Central del Ecuador. En 1961 viaja a Italia y Roma para ampliar sus estudios de Arquitectura. Además, fue Subdecano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central. Desde 1998 hasta 1992, fue presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país.



Adagio II - 2007
Maquina del tiempo - 1995
Entrabe- interlockin - 2000

ANDRES AGUIRRE._
Biografía._
trabajos en pintura, escultura, grabado, cerámica y fotografías digitales, que tienen temáticas diferentes, una de estas es lo mítico, aunque para el artista no es algo recurrente en sus obras, si es algo articulador, “algo que le da sentido a muchas de mis ideas, es algo profundo, se siente más allá de lo que uno hace, quizás es hasta lo que uno sueña”, agregó.

No puede pasar desapercibido en esta muestra la fijación por el rostro humano, y esto resulta de varios viajes por el país, realizados por Andrés, en donde pudo darse cuenta que “el rostro urbano tiene su estética, pero el rostro rural, es especialmente interesante en su forma”.

Otro predominante de las obras de Aguirre es su gusto e influencia por el arte precolombino, algo que se lo puede avizorar en los grabados ‘Los oráculos’, ‘El gran insultador’, entre otros. “Es un arte que nunca ha necesitado de nuestro modo de ver a un artista, son formas anónimas pero que tienen un contenido simbólico muy fuerte”, comentó el artista.

Entre las pinturas están, ‘El primer hombre’, ‘Mar’, ‘Portal’, entre otras; esculturas, ‘Oruga negra’, ‘Mujer roja’, ‘Oruga blanca’, etc; fotografía, ‘Los dedos nalgas’, ‘La torre del vértigo’, entre otras; en cerámica, ‘Ariana’, ‘Las mentes árbol’, etc.

La telaraña- la rosa de semipuños de champiñones
En el remanso- oleo sobre lienzo en tablero
Los oráculos 2- grabado en madera
GOYA Y DALÍ._

Salvador Dalí
Biografía._
(Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989) Pintor español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí".
Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca y, dado que en ningún recodo de su biografía estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, decidió ser excesivo en todo, intrepretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como "perverso polimorfo, rezagado y anarquizante", "blando, débil y repulsivo", aunque para conquistar esta laboriosa imagen publicitaria antes hubo de salvar algunas pruebas iniciáticas, y si el juego favorito de su primera infancia era vestir el traje de rey, ya hacia sus diez años, cuando se pinta como El niño enfermo, explora las ventajas de aparentar una constitución frágil y nerviosa.

FRANCISCO GOYA._
Biografía._
Nadie fue más sordo que Goya al siglo XIX, pese a haber cumplido en él casi tres décadas y haber sobrevivido a sus feroces guerras. Se quedó sordo de verdad cuando amanecía la centuria, pero no ciego. Y a fuer de mirar a su aire se convirtió en un visionario. Ese hombre cabal, lúcido y baturro gestó las pesadillas que creemos tan nuestras afincado en un Versalles provinciano y en una Ilustración de pueblo. La dieciochesca, acanallada España que le tocó vivir le valió para todo y para nada. Su tozudez y brío fueron su patrimonio: con tales alforjas saltó desde su infancia hasta la infancia de las vanguardias, que en el siglo XX lo reivindicaron como maestro. Nadie se explica aún ese raro fenómeno: fue un pintor y un profeta solitario venido desde antiguo hasta ahora mismo sin pasar por la Historia.
Francisco de Goya nació en el año 1746, en Fuendetodos, localidad de la provincia española de Zaragoza, hijo de un dorador de origen vasco, José, y de una labriega hidalga llamada Gracia Lucientes. Avecinada la familia en la capital zaragozana, entró el joven Francisco a aprender el oficio de pintor en el taller del rutinario José Luzán, donde estuvo cuatro años copiando estampas hasta que se decidió a establecerse por su cuenta y, según escribió más tarde él mismo, "pintar de mi invención".
A medida que fueron transcurriendo los años de su longeva vida, este "pintar de mi invención" se hizo más verdadero y más acentuado, pues sin desatender los bien remunerados encargos que le permitieron una existencia desahogada, Goya dibujó e hizo imprimir series de imágenes insólitas y caprichosas, cuyo sentido último, a menudo ambiguo, corresponde a una fantasía personalísima y a un compromiso ideológico, afín a los principios de la Ilustración, que fueron motores de una incansable sátira de las costumbres de su tiempo





DALÍ, transformando en surrealistas los Caprichos no hace otra cosa que convertirlos en Disparates, operación que Goya habría realizado previamente al construir sus Disparates a partir de la acumulación de elementos heredados de su repertorio gráfico, dejándolos desprovistos de su sentido historial al igual que Dalí hace con sus Caprichos. El interés por Dalí bastaría pata exhibir esta serie, pero es que además aporta nuevos e importantes datos sobre Goya como antecedente pictórico del surrealismo.
La intervención de Dalí no puede entenderse sin revisar  la obra de LOS DISPARATES de Goya, de la cual, según nuestra hipótesis, extrae los recursos y elementos que junto con los propios se integran en las escenas de los caprichos convirtiéndolos en disparates.
Dalí nos presenta sincrónicamente capricho y disparate en cada lámina: la crítica social del capricho integrada en el mundo zúrrela del sueño de la razón, del disparate goyesco-daliniano.
Si no cabe duda que la serie de los caprichos de Goya realizada por Dalí es realmente sorprendente no es menos cierto que por poco que ahondemos en su obra, Goya AÚN SORPRENDE.
GOYA, en la series Los Caprichos y Los Desastres de la Guerra, con sus imágenes grotescas y monstruosas, representa la sinrazón, la estupidez y los vicios humanos. Posteriormente, en Los Disparates, Goya libera su inconsciente donde los monstruos surgen como pesadillas, como expresión de la degeneración y muerte de la humanidad.
Los Disparates son un volcán que escupe monstruos, el último vómito de un Goya decepcionado por la humanidad.
El surrealismo surge de Goya como una proyección disparatada de las preocupaciones que antes representó en escenas de la vida. Ahora emanan del gesto, del boceto automático, del SUEÑO que libera el subconsciente, del delirio paranóico que proyecta libremente, instintiva y automáticamente la expresión de sus obsesiones.
Tal vez estas coincidencias con el surrealismo posterior y especialmente con la obra de Dalí, llevaron a éste a realizar su trabajo sobre los caprichos y formalmente realizó una obra soberbia, integrando su universo surreal en perfecta armonía con las escenas de los caprichos goyescos.

Superposición de un referente daliniano

Este grupo lo forman las láminas que acogen un icono ya conocido en la obra de Dalí, como los relojes blandos o el rostro del grán masturbador.En el capricho 33 y en el 42, como comenta Luis Romero “Una vez más el lánguido deshuesado y baboso masturbador es el personaje principal de la escena irracional”
En las otras láminas la figura superpuesta es puramente daliniana como en el capricho 59 donde añade la perspectiva daliniana y el reloj blando.

Transformación del sentido

Por la imagen y por los textos
Este grupo (el de más complicada selección, ya que este aspecto se da en todas las láminas de Dalí) reúne aquellas escenas cuyo sentido varía notoriamente con la aportación de Dalí y a nuestro entender ese objetivo fue buscado de forma especial en las láminas seleccionadas.
La transformación o anulación total del sentido convirtiendo el mensaje en disparate surrealista, se produce mediante las sentencias escritas, que en muchos casos construyen un auténtico sabotaje al mensaje original al modo de las prácticas situacionistas, movimiento surgido a partir del mayo francés del 68 que proponían escribir sobre los carteles publicitarios textos que transformaban el sentido, o al menos adulteran el mensaje original.

lunes, 21 de noviembre de 2011

HISTORIA DEL ARTE 2

XVIII BIENAL PANAMERICANA DE ARQUITECTURA DE QUITO (2012)

Si la voluntad política actual es la de “construir viviendas más sostenibles, saludables y humanas, en armonía con su  entorno… teniendo en cuenta los recursos limitados de que dispone el planeta”, el objetivo primordial de la exposición es traducir esta voluntad en un montaje didáctico y transmisible para todos los públicos comunicando conceptos compartibles y deseables. Para cumplir  con estos objetivos hemos realizado una selección de ejemplos que se han  considerado los más idóneos para transmitir estos valores y demostrar que estos son posibles.
Se trata, en definitiva, de una selección de buena arquitectura de vivienda y de buenas prácticas en todo el Estado español. Tanto las preguntas como las respuestas hacen especial hincapié en la diversidad de posibilidades No se trata de dar un recetario de soluciones definitivas, sino de plantear maneras de pensar críticas, que tengan en cuenta la historia y la memoria colectiva, que afronten la diversidad del presente, que enriquezcan las estructuras urbanas, que favorezcan el derecho a la vivienda y a la igualdad de géneros, que potencien la búsqueda de soluciones arquitectónicas cada vez más sostenibles y medioambientalistas, soluciones que, en definitiva, serán cada vez de mejor arquitectura.
La vivienda, hacedora de ciudad, espacio de convivencia y crecimiento personal, no es una escenografía, sino que es un espacio de complejidad creciente y de múltiples capas de análisis y lecturas.

ART CONSTRUIT INTERNACIONAL (A.C.I.)

Varias terminologías como: Art Constructivista, Constructivismo,  tienen su afiliación directa con el Arte Abstracto en general y en particular con el Arte Abstracto Geométrico.
El Arte Abstracto, cuyos orígenes son muy recientes, ha tenido sus mentores con sus respectivas influencias espirituales, nihilistas y téosóficas como Kandinsky y su Abstracción Lírica. Malevitch y su Suprematismo. Mondrian y su Néoplasticismo.
Nuestro grupo se identifica básicamente con este tipo de Movimiento pero tomando nuevos rumbos al crear un lenguaje original como los Movimientos Expansionistas y Madi ( Movimiento, Abstracción, Dimensión, Invención).
En el Movimiento Expansionista, auspiciado por Omar Rafael Carreño, la obra de formato totalmente libre es transformable.
No es un objetivo únicamente visual ya que la sensación estética se produce al solicitar un gesto de participación activa del espectador.
En el Movimiento Madi, iniciado por el maestro Arden-Quin, la búsqueda  de energía de la obra se realiza por los colores de gamas uniformes, por la importancia de la noción de vacío así como también por la utilización de formas variadas y d materiales diversos.
Implantando principal mente en Francia e Italia, A.C.I se compone de artistas cuya riqueza de expresión se manifiesta por la variedad de origen, edad y formación profesional que han presentado diferentes tipos de exposiciones constituidas de muestras colectivas o individuales. Además, han participado en prestigiosos eventos parisinos como el “Salón Comparaisons”, e l “ Salón Réalités Nouvelles”.
A.C.I. expresa sus sentidos agradecimientos  a los miembros de la Directiva del Colegio de Arquitectos por permitirle exponer en sus locales, en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central y en la Embajada de Francia en Ecuador y por su valiosa colaboración.

 Que vivimos en una sociedad en constante evolución y transformación tecnología y de formas de vida.
·        Que los arquitectos tienen que estar a la altura de los cambios de nuestro entorno para garantizar el mejor servicio a los ciudadanos
·        Que es deber del Colegio Nacional de Arquitectos capacitar y actualizar los conocimientos de los arquitectos del País.
·        Conscientes de que la formación universitaria no es suficiente y que existe desigualdad de conocimientos entre los profesionales arquitectos del País.
·        Que la formación profesional de los arquitectos abarca un extenso abanico de campos.
·        Con el fin de aportar a enfrentar la crisis laboral que vivimos los profesionales arquitectos en nuestro Pais, se ha programado la  I Jornada Académica de Actualización de Conocimientos
         y presenta a los colegas Arquitectos una alternativa de capacitación y actualización en el campo del Peritaje y Valoraciones Inmobiliarias, con el siguiente Contenido: